El coro es el menos caro de los instrumentos colectivos y su fuerza reside en la unión de las capacidades individuales, es el instrumento armónico por excelencia, que nos sitúa en el corazón de la armonía,

Guy Maneveau, Director de Orquesta

Noviembre de 2020

Agradecida por haber sido convocada para participar en esta serie
sobre Artes Visuales.
Y por aportar una mirada desde las Arte Audiovisuales

UNA OBRA, UNA MIRADA.

Cátedra de Historia de las Artes Visuales - Europa Siglos XVI-XVIII. FFyL, UBA. Idea y producción general: Marta Penhos

Capítulo 9.

Majewski: La pintura en movimiento.

Por Nora Spivak

MAFICI FESTIVAL 2020 | MEJOR DIRECCION DE ARTE | PREMIOS AADA

 

30 de septiembre de 2020

El Jurado conformado por Laura Caligiuri, Nora Spivak y Catalina Oliva otorgó el

Premio AADA @aada.arte a la Mejor Dirección de Arte a Diana Orduna por La Botera @sabri.c.b

AADA se complace en entregar el Premio a la Mejor Dirección de Arte en la categoría Operas Primas del Festival de Cine de Puerto Madryn (Mafici) a Diana Orduna por su trabajo en la película La Botera.

Por su mirada honesta y sensible alojada en cada gesto pequeño que habita la imagen. Por aportar con sus espacios fragmentados, asfixiantes y minúsculos a la historia de esta doncella nacida y crecida en un lugar hostil que conoce y habita, por contar de cada personaje sus mundos con una sutileza precisa, por trabajar en sintonía y sincronía con la puesta y la luz, por ser natural y política.

Por su enorme trabajo "pequeño".

RESEÑA | EL ELOGIO DE LA SOMBRA | Junichiro Tanizaki

 

El Elogio de la Sombra

Junichiro Tanizaki (1886-1965)

Ed. Siruela, 37ª edición marzo 2017

Por: Nora Spivak

 

El libro-ensayo de Junichiro Tanizaki escrito en 1933, propone una reflexión sobre la estética y la identidad japonesa. Observa que aquello que se considera bello en Occidente siempre estuvo ligado a la presencia de la luz y la blancura, mientras que lo oscuro y sombrío siempre estuvo asociado a la tristeza y lo oculto. Para el autor la penumbra y la sombra no solo no tienen una connotación negativa sino que se consideran signos de belleza.

Observa Tanizaki “los japoneses han sabido dilucidar los misterios de la sombra”.

Los códigos de belleza y la estética japonesa tienen su origen y su razón en cierto tipo de iluminación: linternas de petróleo y candelabros con velas tienen la cualidad de iluminar en forma tenue y oscilante, sugiriendo contornos y formas.  El tiempo se ve expresado en el desgaste del material, en las patinas, en la superficie sedosa y traslucida del papel, en el valor de lo usado y de lo que tiene historia. En las salas de estar suele haber un pequeño espacio elevado (que no debe pisarse) llamado toko no ma adornado con un cuadro, un arreglo floral o un rollo desplegable. Ese adorno no está allí con sentido decorativo, sino más bien para celebrar el refinamiento de lo que apenas se adivina en la armonía de la sombra y la luz.

Dice: “A nosotros nos gusta esa claridad tenue, hecha de luz exterior y de apariencia incierta, atrapada en la superficie de las paredes de color crepuscular y que conserva apenas un último resto de vida. ….esa penumbra, vale por todos los adornos del mundo y su visión no nos cansa jamás.”

A lo largo del texto Tanizaki observa y reflexiona sobre la luz que se desliza en la penumbra y moldea por apenas estar, otorgando belleza a la arquitectura de grandes aleros, a los objetos de arte, la vajilla y utensilios.

“…creo que lo bello no es una sustancia en sí sino tan solo un dibujo de sombras, un juego de claroscuros producido por la yuxtaposición de diferentes sustancias.”

 Sin más que maderas, papel y paredes desnudas, los rayos luminosos más que mostrar, engendran oscuridades y rincones, la leve claridad revela un jarrón en su hueco sostenido por las tinieblas que pesan a su alrededor, el aire es silencio y las sombras son eterna serenidad.

 “Me gustaría ampliar el alero de ese edificio llamado “literatura”, oscurecer sus paredes, hundir en la sombra lo que resulta demasiado visible y despojar su interior de cualquier adorno superfluo.”

RESEÑA | IRREFLEXIÓN | Oscar Carballo

 

IRREFLEXIÓN Sobre la perspectiva, la imagen y el cine

Oscar Carballo

Libraria Ediciones, 2015

 

Reseña: Nora Spivak

 

El dibujo es una de las herramientas históricas que tiene el ser humano para expresarse, y en la Dirección de Arte representa en el papel o en la pantalla el espacio-forma- imaginado.

 

“Somos dibujo en sí” escribe Oscar Carballo, y luego “dibujar es ensayar en forma gráfica un pensamiento, es apuntar un pensamiento y discutirlo gráficamente”. “Porque al diseñar el relato-el espacio-, dibujamos conceptos: la frustración de un hombre, la crisis de una mente atormentada por el miedo, la presencia de un error insalvable.” Y en otro párrafo: “¿Cuál es la apariencia de la maldad? ¿Qué forma tiene el dolor?  ¿Cómo se interpreta la locura?”

 

Dice el arquitecto Michael Graves: “Hay cierto goce en la creación (del) dibujo que deriva de la interacción entre la mente y la mano. En un dibujo hecho a mano, ya sea en una tableta electrónica o sobre papel, hay entonaciones, huellas de intenciones y especulación. No se diferencia mucho de la forma en que un músico puede entonar una nota o en que entendemos subliminalmente una improvisación de jazz y nos hace sonreír. 2012 - Clarín.com ARQ Arquitectura

 

Carballo cruza y enlaza el arte en el cine con las artes visuales, la música, la literatura, la poesía, la arquitectura y el mismo cine, y al hacerlo resignifica el valor del “arte aplicado”, lo que el autor llama “la experiencia de la imagen” como forma de expresión de ideas y sentimientos. Carballo sugiere aprender a mirar el espacio, desde dónde mirarlo y pensar qué es aquello que se ve como una decisión artística.

 

Irreflexión propone interrogantes que habitan en el pensamiento visual y en la experiencia de la percepción.. Es un libro de reflexiones que puede ser mirado -leído- en cualquier orden, de modo continuo o fragmentado. Permite a quien lo lee sentirse como el observador que se detiene de tanto en tanto en el camino para poder atesorar el paisaje desde distintos puntos de vista.  O desde distintos puntos de fuga.

Es un trabajo para encontrarse en el placer de perderse en nuevas búsquedas.

 

 

RESEÑA | PUNTO CIEGO | Mercedes Alfonsin

Spivak, Nora – UNA/UNCPBA- noraspivak@gmail.com
AUTOR Alfonsín, Mercedes TITULO Punto Ciego CIUDAD Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina IDIOMA Español EDITORIAL: Libraria Ediciones 272 páginas

SECCION RESEÑAS Número 7 | Diciembre 2017 ISSN: 2362-4000 Escena Uno | Escenografía, dirección de arte y puesta en escena ISSN: 2362-4000 Número 7 | Diciembre 2017 http://escenauno.org




Festejo la aparición de este texto que pone a la Dirección de Arte en un lugar visible. Punto ciego no es un libro académico ni enciclopédico ni visual. Es más bien un relato de vida, una novela personal que conmueve por su sinceridad y su profundidad. Su lectura deja paso a la imaginación, nos acerca al desafío de quien diseña y construye fantasías mientras transcurre la vida real, con inconvenientes, falta de dinero o de tiempo, con hijos o con dolor de espaldas.  Años de recorridos, proyectos, discusiones, andanzas, idas y regresos, familia, amigos y colegas están en las páginas de este libro que habla de construir relatos hechos de imágenes. Es un viaje por el tiempo de cada película (que no se puede medir de la misma manera que el tiempo real) y por el tiempo de la vida, que se adelanta o retrocede en perspectiva. Una entrevista cambia el horizonte laboral, la vida lejos del país esculpe otra manera de pensar, un nuevo trabajo vivido como aprendizaje traza una enorme amistad, nuevos proyectos que traerán otros, todo en permanente movimiento. Dice Luis Puenzo en su prólogo: “Punto ciego, como su título indica, es un libro de aventuras. Un diario de viajes en el que Mercedes Alfonsín anota su derrotero con la precisión de los diarios personales del mil novecientos y la templanza de las heroínas románticas, mujeres educadas y de apariencia frágil que no se detenían ante nada.” Juan José Campanella describe: “Es un libro fundamental tanto para el profesional, que puede sentirse identificado ciento por ciento con esa directora de arte extraordinaria, como para el estudiante o el cinéfilo que se pregunta cómo se toman las decisiones, las del día a día y las de la vida.” Punto ciego es un libro de cine que tiene, como los silencios entre nota y nota, espacios que auguran lo que sigue y sostienen el pulso entre lo visible y lo ilusorio, entre las imágenes y lo que está detrás de ellas, que se completa en quien lo lee, en ese lugar donde las palabras se pueden ver en líneas, formas y espacios. ----------------------------------------------------

LABORATORIO SOBRE LAS PASIONES

AKIRA KUROSAWA

Muerte de Yamagata Masakage, la bandera del fuego. Lápiz, acuarela y pastel sobre papel de dibujo, para la película Kagemusha, la sombra del guerrero.


Antes de ser cineasta, Akira Kurosawa fue pintor. Estudió de niño con un profesor que valoró su talento. Sin embargo, en 1938 fue aceptado en un programa de aprendices de dirección y dejó esa forma de expresión, la pintura, por otra que fue el cine. “No puedo más que fascinarme por el hecho de que cuando intenté pintar bien solo pude producir pinturas mediocres, pero cuando me concentré en delinear las ideas para mis películas, inconscientemente produje trabajos que la gente encontró interesantes”, dijo sobre sus obras que no son otra cosa que los guiones visuales, storyboards, que son el paso necesario e indispensable para que empezara a pensar en una película. 
...plasmaba las ideas, los personajes, la trama y los colores. Cuando empezó a usarlos después de larguísimos años de filmar en blanco y negro. Hasta 1965 había realizado 24 filmes sin color. De a poco fue incorporando un rosa pálido en el humo de unas chimeneas, luego el rojo en el amarillo en hasta llegar a la paleta restringida, pero vibrante de una como como...

Las películas que él realizaba, esas que definía como un todo en el que se plasman diferentes modelos de creación, la pintura, la música y la literatura, pero que siguen siendo películas, primero estaban pintadas. No eran bocetos sino cuadros muy elaborados en donde, incluso, se podían ver las influencias del fauvismo y del expresionismo, las dos corrientes occidentales que se notan en sus propios trazos.


Porque no solo con Shakespeare y Dostoyevski, Tenno (así lo llamaban: “el emperador”) fue tildado de “muy occidental”.

Un pintor de película

Perfil Córdoba 28 abril 2019 LAURA ISOLA

La pintura y el cine.

Camino del Calvario 

Esta obra la pintó Peter Brueghel el Viejo en el año 1564 y es el tema principal de la película El Molino y la Cruz de Lech Malewsky, 1911

Le tomó 3 años a Majewski completar la película, un trabajo que requería paciencia e imaginación así como también el uso intensivo de las nuevas tecnologías y los efectos 3D; tres años en los que vivió tejiendo un enorme tapiz digital compuesto por una y otra capa de imágenes pictóricas, personas, puntos de vista diferentes y fenómenos atmosféricos.

...el director Lech Majewski modifica la estructura estética representada en una película y se transforma en un realizador pionero en un nuevo estilo de “penetrar” un cuadro y crear una narración basada en las figuras representadas en esa obra pero interpretadas por verdaderos actores.

El método de Majewski consiste en combinar digitalmente, de tres maneras diferentes, el material rodado.

Los actores son filmados frente a un “chroma key”, una pantalla azul o verde, en un estudio de cine, cuya imagen se integrará sobre diferentes fondos.

Los actores y el material rodado en las localizaciones de Polonia, Republica Checa, Austria y Nueva Zelanda recuerdan a los paisajes que podemos encontrar en las obras de Bruegel.

Imágenes de segmentos de la obra de Bruegel, pintada en 2D, sirven como telón de fondo.

En post-producción, Majewski y su editor, sobreimprimieron laboriosamente estos tres elementos durante el proceso de post-producción. Por ejemplo, agregó a un actor filmado delante de una pantalla azul con varias capas de fondos pintados por Bruegel y localizaciones rodadas, todo reforzado por imágenes digitales de un cielo majestuoso filmado en Nueva Zelanda.

Un proceso que, sin duda, le permitió al director actuar como si él mismo recreara al propio pintor concibiendo su obra.

Fuente: RevistaDeArte  Maria Jesus Burgueño, 2012

ARTE Y CINE

Obras de arte que inspiraron al cine
Autor: Vugar Efendi

STORYBOARD

SOBRE EL ARTE

por Nora Spivak

¿Cómo son los procesos del arte? 

Dónde está el germen, en qué lugar se encuentra la primera idea y qué forma va a tener. ¿Cómo se estructura el discurso visual que se basa en la percepción? Tal vez el arte sea un permanente ensayo, una búsqueda que no tenga un cauce lógico o asible. Se puede presentar débil ante la lógica y ser tan evanescente como su propio discurso. Sin embargo es eso mismo lo que lo define y lo lanza como objeto de arte.

“…hay algo maravilloso en ver cómo una figura emerge de la piedra sin que nadie la conjurara, en sentir la presencia de algo dentro de uno…que también existe más allá de uno: algo consistente, obstinado y benevolente que parece tener un plan, y ese plan parece elevarnos a una nueva estatura moral. “ George Saunders, The Guardian.

En la imagen pensada para el cine también hay una dinámica, podría decirse que es un motor interno que produce la forma y la manera de decir mientras se indaga, se busca y se produce un boceto. Los primeros trazos se van nutriendo de ideas que tienen su correlato en otra imagen que a su vez genera otra y así, en movimiento como la película misma.

El no saber, la duda como motor, incita a buscar el “contagio” de otras fuentes que pueden “disparar” hacia los lugares transitados por nuestros referentes, los que dijeron “eso” a su manera.

Es valioso el dialogo del lápiz sobre el papel, el sentido de dibujar pensamientos o de graficar ideas. Por la pulsión que genera. Un diálogo que puede abrir un camino de apertura más allá de lo que creíamos o teníamos como certeza.

Saul Steimberg (1914 - 1999)

SARUDIANSKY. Boceto para la escenografía de la ópera Il Trovatore, Teatro Colón, 2000

ARTE Y MAGIA

JUEGOS OLÍMPICOS ATENAS 2004

Gran propuesta del Director artístico Dimitris Papaioannou

Dimitris Papaioannou es un director, coreógrafo, artista visual y performer griego con una variada carrera como pintor, artista, dibujante de cómics, coreógrafo y director de escena, que abarca tres décadas de sorprendentes y espectaculares trabajos.

Gladiator (2000)

Director Ridley Scott - Director de Producción Arthur Max - Diseño de Vestuario Janty Yates